28 HATS FOR LAMU: tra copricapi bucolici, innovazione e sostenibilità

Un viaggio che affonda le proprie radici nell’immaginario moderno del Kenya, pur rimanendo in sintonia con il suo passato storico

Un inno all’arte. Tinte solide

e oniriche giocano con l’accostamento di texture contrastanti, plasmando un progetto di accessori che mettono al bando ogni timidezza. L’incontro tra due mondi, quello della cultura e della sostenibilità, respira tra le meticolose costruzioni combinandosi ai più bucolici richiami della tradizione Africana. Ma procediamo per ordine. Orgogliosamente eretti, immobili, sotto lo sguardo di quello spettatore che vuole venire a contatto con le loro verità nascoste: 28 HATS FOR LAMU è un progetto fotografico che celebra il potere della trasformazione della creatività, svelando come l'ordinario diventa straordinario attraverso l'immaginazione. Installata nel contesto storico della comunità di Lamu, in Kenya, la mostra attiva una serie di fotografie e associazioni tra vari momenti della storia del paese: con il virtuosistico uso di materiali upcycled quali la plastica e il cartone, 28 HATS FOR LAMU ricorda i giochi di surrealismo e la meraviglia folkrolistica del Kenya, mentre i frammenti di scarti inseriti tra l’essenza delle lavorazioni riportano alla memoria la ricchezza del paese, celebrandone l’eccellenza dell’artigianato. Questa volta, però, la prospettiva è diversa: le fotografie di questa mostra sono state realizzate nell'isola subequatoriale di Lamu, in Kenya, a Febbraio 2020, dalla fotografa sudafricana Kristin-Lee Moolman e dalla stylist franco-britannica Louise Ford, che ha trascorso gran parte della sua infanzia tra lo Zimbabwe e il Kenya. Per chi ama la fotografia, Ford e Moolman son due di quelle combattenti che hanno deciso di non volersi uniformare al canone della convenzionalità, proponendo un linguaggio visivo poetico e dirompente, che spazia tra dimensione onirica e puro realismo. Intimamente legata all’ambiente, la mostra resta profondamente radicata nel presente con citazioni che si ritrovano nella contemporaneità di queste creazioni uniche. Le fotografie rappresentano diversi concorrenti al Shela Hat Contest di quest'anno, un evento biennale in cui i lamuniani promuovono la tutela dell'ambiente e l'educazione ambientale. I partecipanti creano cappelli con materiale che altrimenti verrebbe gettato via, in una celebrazione di riciclaggio. Per Ford e Moolman introdurre un occhio disinvolto nella fotografia non implica necessariamente una connotazione labile, ma sicuramente un’opportunità per entrare in un sistema eminentemente stereotipato e scardinarlo. “Trasformare il sistema,” afferma Ford, “significa trasformare le molteplici sfaccettature della cultura che si va a celebrare.” La bellezza della mostra si rivive attraverso rimandi simbolici e percezioni sensoriali (totalmente accessibili al pubblico digitale) in cui si intrecciano briosità e giochi di luce. Come biglietto di presentazione, le opere sono giocose, gioiosi e riflettono l'esperienza delle tradizioni del Kenya. “La creatività dei Lamuniani e il loro attivismo ambientale è un raro esempio che spero ispiri altri a seguire,” ha spiegato Louise Ford a Vogue Italia. “28 Hats For Lamu dimostra anche un modo spensierato, festoso e collaborativo di fare dichiarazioni politiche e di parlare della protezione della nostra pianta attraverso iniziative comunitarie.” Quest'anno, l'entrata di Masha Birya ha raffigurato una barca tipica della regione, mentre Sarah Wanjiku ha creato un cappello di palme con i gusci raccolti dagli alberi stessi. Ci sono anche cappelli più astratti, come la creazione del reticolo di diamanti dell’artista Mohammad Abud, che ha funzionato simbolicamente per riflettere l'incontro tra la cultura bianca e quella nera. D’altro canto, il cappello vincente di Rose Nakami è apparso come un'aureola traslucida color acqua, disseminata di una costellazione di tappi di bottiglie di plastica color sole. L’idea, spiega la stylist, è l’eliminazione dei giudizi negativi con la speranza di sostenere i valori della comunità di Lamu. “Questo progetto è una celebrazione della creatività,” spiega Moolman. “Si tratta di ottimismo, di empowerment e di rendere omaggio agli artisti di Lamu.”

Si apre uno spiraglio di serenità per il futuro di una storia importante: l’arte e la cultura da sempre indissolubili, codificano un passo concreto per favorire nuovi orizzonti.

Domanda a bruciapelo per rompere il ghiaccio: cosa significa questo progetto per voi?

Louise Ford: 28 Hats for Lamu è un progetto che significa molto per me personalmente. Ho passato dieci anni della mia vita tra lo Zimbabwe e il Kenya, e mi è stata offerta l'opportunità di creare un lavoro che non solo celebrasse i luoghi e le persone che amo, ma che li sostenesse; era un lavoro a cui non potevo rifiutare. Il progetto è un investimento emotivo che racconta una storia importante. La creatività dei Lamuniani e il loro attivismo ambientale è un raro esempio che spero ispiri molti. 28 Hats For Lamu dimostra anche un modo spensierato, festoso e collaborativo di fare dichiarazioni politiche e di parlare della protezione del nostro ambiente attraverso iniziative comunitarie.

Kristin-Lee Moolman: 28 Hats for Lamu è significativo per me perché, essendo sudafricana, ci si presenta costantemente con immagini negative e notizie che ritraggono l'africa come un luogo di povertà e violenza. La ricchezza della cultura, la bellezza dei paesaggi e la visione creativa di molti che vivono qui è messa al bando da questi stereotipi. L'obiettivo è sempre quello di contraddire queste aberrazioni negative catturando i lati positivi che spesso vengono ignorati. Questo progetto è una celebrazione della creatività. Si tratta di ottimismo, di empowerment e di rendere omaggio agli artisti di Lamu. Ciò che per me era altrettanto importante in questo caso era poter usare le immagini per restituire e non solo prendere da una comunità. Si tratta di un processo di pensiero puramente personale, ma credo che i creativi abbiano il potere, attraverso le immagini, di facilitare il cambiamento. Ora più che mai abbiamo la responsabilità di usare il potere che abbiamo per fare del bene dove possiamo.

Dove e come avete trovato l'ispirazione?

LF: Circa due anni fa mi sono imbattutA in un volantino nella città di Lamu in una bacheca per il concorso Shela Hat. Non avevo mai visto niente del genere, la creatività era senza precedenti, soprattutto perché i partecipanti non sono necessariamente artisti. Ho quindi intrapreso un anno di ricerca del fondatore del concorso per vedere se fosse stato possibile realizzare una serie di ritratti. Mi ha spiegato i principi guida del concorso che, naturalmente, erano la realizzazione di cappelli, ma anche la trasmissione di un messaggio sulla conservazione all'interno dei loro progetti. Mi sono ispirata ai cappelli e al concorso per un po' di tempo, così ho iniziato subito a lavorare al progetto per vedere come potevamo usare l'arte come risorsa per sensibilizzare l'opinione pubblica, oltre che per raccogliere fondi per un'opera di beneficenza di cui avrebbe beneficiato direttamente la comunità. La New Leaf Rehabilitation Clinic è stata raccomandata da molti locali come un'organizzazione con un tasso di successo molto alto ma priva di fondi per realizzare il suo pieno potenziale.

KLM: La mia ispirazione viene generalmente dalle persone che incontro, ciò che mi ispira è l'empowerment personale, l'ottimismo e la creatività - così quando ho ricevuto l'email di Louise che descriveva il progetto e le creazioni passate sono stata immediatamente commossa e motivata a far sì che il progetto si realizzasse a prescindere da tutto.

Come vi siete sentite a lavorare con la comunità Lamu al cospetto della sua cultura e del suo patrimonio?

LF: Lamu è una comunità multiculturale e la sua storia fonde le culture bantu, araba, indiana e del sud-est asiatico con le culture keniote. Sono stata così ispirata da questa società sfaccettata e dal calore e dall'apertura che i concorrenti ci hanno offerto.

KLM: La comunità di Lamu è una società multiculturale come qualsiasi altra città del primo mondo, solo su scala molto più piccola. La cultura e i suoi effetti sono qualcosa di universale. I riferimenti intrecciati e la diversità della comunità dell'isola hanno influenzato la produzione del lavoro in modo molto simile a quanto quelle stesse cose influenzano il lavoro creato in città come Londra. La differenza per me qui è che l'opera ha avuto un impatto minore sull'artista come creatore singolare, e si è concentrata maggiormente sull'impatto che noi esseri umani abbiamo sull'ambiente come comunità globale. C'è un senso di compassione per il mondo naturale e per i suoi abitanti, così come una comprensione delle conseguenze di non conservare come dovremmo.

Avete incontrato difficoltà e sfide nel processo e/o realizzazione?

LF: Non ce n'erano molte. Tutti, senza eccezioni, sono stati di gran supporto e pronti a dare una mano ogni volta che potevano, collaborando fino al giorno della mostra stessa. La maggior parte dei partecipanti conosceva e supportava pienamente il nostro obiettivo di raccogliere fondi per la New Leaf Clinic, ergo fu importante che condividessimo una volontà comune e un risultato desiderato.

KLM: Non ci sono state difficoltà o sfide sull'isola in nessun punto, il paesaggio era bellissimo ed è stato un piacere lavorare con tutti. In genere, una delle sfide che si incontrano quando si scatta un ritratto è quella di non imporre a se stessi la propria idea di ciò che qualcun altro è su di loro, in sostanza di catturare un "falso ritratto".  Può sembrare irrilevante, ma prendersi il tempo di sviluppare una sorta di "dialogo" tra te stesso e il tuo modello è essenziale, proprio perchè permette a quella persona di diventare abbastanza a suo agio da essere catturata come se stessa. Le difficoltà sono venute dopo il COVID-19 e non abbiamo avuto modo di esporre le immagini per raccogliere fondi. Ci sono voluti mesi di corrispondenza e di ricerca per arrivare a un punto in cui potessimo effettivamente mostrare il lavoro, ma in una realtà virtuale rispetto a quella fisica. È stata una decisione che ha finito per avvantaggiare il progetto, in quanto siamo in grado di raccogliere più fondi per la fondazione e di raggiungere un maggior numero di persone a livello globale, consentendo ai concorrenti stessi di vederle.

Quali sono gli aspetti pratici da seguire?

K&L: In termini di pratiche e culture diverse Lamu non è diversa da qualsiasi altro posto che visiteresti come fotografo straniero. Fotografare soggetti che non sono modelli professionali in un paese che non è il vostro significa che dovete adottare una maggiore consapevolezza di voi stessi, e fare attenzione ad essere rispettosi delle persone e delle loro abitudini. È sempre bene tenere a mente che le persone che vengono fotografate ti rendono un servizio, non il contrario. Essere straniere e non parlare le lingue locali pone piccole sfide, ma in definitiva è qualcosa che si supera facilmente. Abbiamo fatto in modo di avere qualcuno che potesse tradurre correttamente. L'importante è far sentire chi fotografa a proprio agio per essere se stesso, indipendentemente dalle differenze culturali o dalle lingue parlate.

Per lo più ci siamo sentite onorate di essere state accolte così calorosamente e con un tale spirito collaborativo.

La mostra è accessibile al sito697thz.com, creato e diretto da designstudio 697 THz, dal 23 novembre al 15 dicembre 2020. Per la vendita delle fotografie si prega di inviare un'e-mail: This email address is being protected from spambots. You need JavaScript enabled to view it..

Fotografia: Kristin-Lee Moolman. Styling: Louise Ford. Consulente della mostra e testo: Lucy Kumara Moore. Produzione Jemima Carr e James Newman. Un ringraziamento speciale a Herbert Menzer. 

Related Articles